БАТЫРШИНА ОЛЬГА ФАРИДТОВНА (МГУ имени М.В. Ломоносова, Российская Федерация). Полемика Альфреда Вага и Августа Алле в журнале “Looming” («Творчество») 1924 г. К истории становления эстонской художественной критики

OLGA BATYRSHINA (Lomonosov Moscow State University, Russian Federation). Alfred Vaga’s  Polemics with August Alle in the “Looming” (“Art Creativity”) Magazine 1924. To the Issue of the Estonian Art Criticism

1924 год был переломным для истории эстонского искусства. Прошло уже пятнадцать лет с первой в истории выставки эстонской живописи, и выставочная деятельность в Тарту и Таллинне уже обрела насыщенную историю. На крупной выставке 1919 года были представлены художники таких непохожих художественных диаспор как «Молодая Эстония», «Vikerla», национал-романтик Рауд и германо- и франкофоны типа Мяги и Коорта. В 1923 г. критик и писатель Фридеберт Туглас издал первый выпуск журнала «Looming» («Творчество»).

В 1924 г. частной тартуской школе живописи Паллас, которая в предыдущие пять лет зарекомендовала себя как самобытный художественный центр и главным преподавателем которой был Мяги, присвоили статус высшего учебного заведения. В том же 1924 г. был официальный выпуск первых выучеников Паллас, в числе которых были график Вийральт и будущая ведущая театральная художница Мей.

К концу 1923 г. панорама художественной жизни была уже очень разнообразной, и материала было достаточно для ретроспекции и критики. На страницах Looming в феврале–марте 1924 г. появилась статья молодого критика Альфреда Вага (1895–1980) «Кризис в эстонском изобразительном искусстве». Вага кратко описал основные вехи развития эстонской живописи с начала ХХ века до настоящего времени и высказал следующую точку зрения: после кратковременного плодотворного развития (работы Лайкмаа, Трийка) эстонская живопись подпала под влияние России и Германии (Рауд, Ваббе), из-за чего эстонское творчество скатилось к дилетантизму, «мирискусничеству» и начало терять с таким трудом обретенные национальные узнаваемые черты.

Ответом стала статья другого художественного критика, Августа Алле (1890–1952), горячо вступившегося за Ваббе и Мяги, за их творчество и педагогическую деятельность. Алле отстаивал идею о новаторстве Ваббе, критиковал фаворитов Вага — живописцев Трийка и Лайкмаа — за избыточную, на его взгляд, академичность и осторожность в поиске выразительных средств. Если главной идеей Вага было разрушительное влияние немецких экспериментов и русского театра на «ещё непрочную» стилистическую идентификацию эстонского изобразительного искусства, то Алле доказывал обратное: смелость и самобытность эстонских художественных экспериментов, которые отталкивались от зарубежных стилистик, но не сливались с ними.

Полемика Вага и Алле стала историческим примером разницы трактовок и оценок путей эстонского искусства глазами собственно эстонских художественных критиков. На сегодняшний день в эстонском искусствознании негласно принимается сторона Августа Алле, так как в дальнейшем ученики авангардистов Ваббе и Мяги стали яркими представителями эстонского искусства в Европе. Однако точка зрения Вага, который в дальнейшем стал профессиональным искусствоведом, также представляет огромный интерес, так как разница между евроцентристским и эстоноцентристским взглядом на эстонскую живопись 1920-х гг. по-прежнему представляет интерес для сравнительного искусствознания.

Эстония, модернизм, авангард, XX век, художественная критика

Estonia, modernism, avangardism, 20th century, art criticism

ВЕЛАСКЕС САБОГАЛЬ ПОЛЬ МАРСЕЛО (Санкт-Петербургский государственный университет, Российская Федерация). Блуждающее изображение: Жюль-Феликс Гранжуан и аргентинский анархизм начала ХХ века

PAÚL MARCELO VELÁSQUEZ SABOGAL (Saint Petersburg State University, Russian Federation). The Wandering Image: Jules-Félix Grandjouan and Argentine Anarchism in the Early 20th Century

Проблема иконографической миграции в рамках анархистской мировой газетной культуры рубежа XIX–ХХ веков представляет собой большую лакуну в современном искусствоведении. Растущий интерес к истории анархизма в европейском, американском и русском научных кругах последних двух десятилетий делает актуальным изучение роли миграции в формировании иконографических и тематических тенденций в графическом искусстве анархисткой периодики. Это позволяет не только сформулировать новое понимание о миграционном потоке революционных веяний, но и способствует повторному открытию мало исследованных художников, чье творчество прежде рассматривалось лишь в местном контексте. Цель доклада – реконструировать международную миграцию литографии «Le Marché à la viande» («Мясной рынок») художника Ж.-Ф. Гранжуана в контексте антимилитаристской борьбы в анархистских газетах и группах начала ХХ века во Франции, Швеции и Аргентине. Доклад является первым анализом, посвященным работе Гранжуана в Аргентине, в котором рассматриваются ранние неопубликованные архивные материалы.

В номере аргентинской газеты «La Antorcha» («Факел», Буэнос-Айрес) от 1 мая 1927 г. была опубликована иллюстрация Ж.-Ф. Гранжуана, подписанная «La Infamia militar» («Военный позор»). Несмотря на низкое качество печати данная иллюстрация выделяется среди других, опубликованных в этом издании, наличием сходства с французской политической карикатурой в революционной прессе рубежа веков. Ж.-Ф. Гранжуан выполнил 11 графических работ антимилитаристской направленности для номера февраля 1906 г. газеты «La Voix du Peuple» («Голос народа», Париж), одна из которых и появилась в Аргентине 21 г. спустя под другим названием. В результате присвоения аргентинским изданием «La Antorcha» графическое произведение Гранжуана претерпело несколько визуальных и текстовых модификаций. Из анализа модификаций следует, что промежуточным звеном между Францией и Аргентиной была публикация данной литографии в неустановленном шведском издании. Поздний плакат 1935 г., напечатанный Стокгольмским обществом анархистов, позволяет получить представление о первой шведской версии изображения, прибывшей в Аргентину в 1927 г. Выявление оригинальной литографии «Le Marché à la viande» (Париж, 1906) позволяет провести сравнительный и стилистический анализы трех дальнейших версий.

Автор обращает особое внимание на социально-политическую действительность Буэнос-Айреса рубежа XIX–XX веков как решающий фактор для заимствования литографии, основанного не столько на ее эстетической, сколько на политической ценности. Данное исследование открывает перспективу изучения других иллюстраций Гранжуана в местном анархистском журнале «Ideas y Figuras» («Идеи и Фигуры») и в североамериканском «Mother Earth» («Матерь Земли»), а также их иконографических источников во французском журнале «L’Assiette au beurre».

В номере от 15 мая 1886 г. газеты «Le Révolté» П.А. Кропоткин обосновывает, фактически оправдывает присвоение и «контрабанду» графического материала как вынужденную стратегию анархистской газетной культуры. Такие практики поощрялись издателями-анархистами, такими как Эмиль Пуже, Эмма Гольдман, Жан Грав и Альфредо Кьябра Акоста, в журналах во Франции, США и Аргентине. Case study миграции одной литографии Ж.-Ф. Гранжуана в аргентинском контексте проливает свет на такие понятия, как присвоение, перевод, соавторство, стиль и художник-рабочий, актуальные для исследований анархисткой эстетической теории и ее роли в формировании трансатлантической и трансвременной визуальной культуры.

политическая иллюстрация, анархистские газеты, иконографическая миграция, присвоение, Жюль-Феликс Гранжуан, трансграничная культура, антимилитаризм

political illustration, anarchist newspapers, iconographic migration, appropriation, Jules-Félix Grandjouan, transborder culture, antimilitarism

ПОДОЛЬСКАЯ КСЕНИЯ СЕРГЕЕВНА (Российский государственный педагогический университет имени А.И. Герцена). Системно-структурный анализ скульптурной композиции в энвайронмент-арте

KSENIA PODOLSKAYA (Herzen State Pedagogical University of Russia). System-Structural Analysis of Sculptural Composition in Environmental Art

Энвайронмент-арт — художественное направление современной арт-практики, соединяющее в себе целый комплекс средств создания различного рода художественных сред через специфическое построение пространства, стремящееся к включению в себя окружения и зрителя как полноценных участников целостного художественного произведения.

Энвайронмент как направление может проявлять себя в разных формах современных художественных течений и явлений, в том числе и в искусстве скульптуры.

При этом скульптура, попадая в пространство энвайронментальной ситуации, зачастую теряет часть своих видовых характеристик, переходит в состояние надвидовой художественной структуры, художественной формы, находящейся не в рамках видовой классификации, а над ней. Структурность такой формы проявляется в компиляции различных техник и подходов, прежде всего стремясь к максимальной художественной выразительности с помощью всех доступных художнику средств.

Таким образом изменяются сущностные качества произведения искусства: расширяется спектр форм отношения произведения с пространством, зрителем, способы построения композиции (смешение классических и новейших композиционных решений), средства выражения и т.д.

Энвайронмент-арт стремится к преодолению границ между искусством и пространством повседневности, поле художественного произведения простирается дальше своего материального субстрата, стремится к объединению с пространством и зрителем. Все эти изменения говорят о том, что при анализе энвайронментальных скульптурных композиций традиционных подходов к композиционному и формальному анализу становится недостаточно. В этих условиях особую роль начинает играть системно-структурный анализ.

Учитывая то, что скульптура в условиях энвайронмент-арта частично теряет свои морфологические качества, переходит в состояние надвидовой художественной структуры, системно-структурный анализ позволяет выявить и охарактеризовать особенности такого произведения.

Использование системно-структурного анализа позволяет выделять типы структурных связей скульптуры (а точнее ее материального субстрата) с другими элементами (пространством, зрителем, и т.д.), выявлять особенности этих связей, их влияние на целостный художественный образ энвайронментального произведения.

энвайронмент-арт, скульптура, надвидовая художественная структура, системно-структурный анализ

environmental art, sculpture, interspecific artistic structure, system-structural analysis

ДУЦЕВ МИХАИЛ ВИКТОРОВИЧ (Нижегородский государственный архитектурно-строительный университет). Реальности архитектурно-художественной среды исторического города

MIKHAIL DUTSEV (Nizhny Novgorod State University of Architecture and Civil Engineering). Realities of Architectural-Art Environment of a Historic City

Сегодняшняя городская реальность крайне противоречива. Город как система, организм, сообщество – драматичен! «Город» агрессивен как стиль жизни. Город крайне неспокоен как среда обитания живого. Город эклектичен в художественном плане. Пространственная ткань его рваная, лоскутная, многоликая, чудная… Единство, скорее миф, чем явленная реальность.

Вероятно, следует принять эти противоречия, чтобы иметь возможность увидеть круг сегодняшних проблем, соотнеся современное нам с историей, с ее вещественным наследием, образом, смыслом, идеей историчности как таковой. Очевидно, что музеефицированный город — это занимательный и познавательный «аттракцион», но не среда полноценной жизни. Город всегда ближайший соучастник происходящей событийности, проживаемое и каждый раз вновь переживаемое пространство. Иначе мы теряем исторический город… Теряем физически, когда он стирается новым временем. Теряем ментально, когда он превращается в музей.

Таким образом, следует отыскать возможности сопричастности каждого жителя историческому потоку. Именно эта черта способна естественным образом усилить меру внутренней ответственности человека (пользователя, гражданина, профессионала, «свободного художника») перед окружающим пространством, причем, пространством в потоке времени и в контексте культуры. Здесь мы намеренно избегаем вопросов роли власти, правового регулирования, а также аспектов профессиональной «грамоты» зодчего. В фокусе внимания — возможности художественно-образные, не столь очевидно зависящие от регламентов.

Нас интересует город, в первую очередь, в двух реальностях — повседневно-материальной и образно-символической, устремленной в вечность. Также важна тенденция усиления индивидуализации внутри массового, которая показательна с позиции отдельной личности — будь то архитектор, дизайнер, художник или адресат творческого послания. Как при этом работает критериальный аппарат и каково место гипотетического экспертного сообщества — вопрос открытый.

Представляется, что связующим началом в многомерном поле исторического города, действительно, выступает среда в различных интерпретациях, причем, не только в форме контекста или средового подхода. Среда как комплексное понятие не раз «выручала» и позволяла сохранить исторический образ места. Вероятно, нет смысла пересматривать в корне «средовые» подходы, но есть явная потребность в расширении понятия, в том числе, в художественном поле значений, и, как следствие, в обновлении понимания города.

Предлагается выделить ряд направлений искомого развития:

— материальные и художественные реальности города;

— культура профессионального сообщества и общества в целом;

— интеграция архитектуры, искусства и дизайна.

В данном контексте понятие «среды» уступает место идее «средовой связи», основанной на методах художественной интеграции («Концепция художественной интеграции» сформулирована и защищена автором в 2014 г.). Представляется, что современному человеку требуется еще одна «реальность» — стыковая, связующая, позволяющая примерить смыслы, адаптироваться к новациям, стать ее соучастником. Это реальность «осмысления» и «чувственного» проживания, живая среда меняющегося образа. Безусловно, основным «местом» ее реализации становится человеческое сознание и процессы культурных трансформаций, но возможно и вещественное воплощение — в архитектурно-художественной среде города.

архитектурно-художественная среда, исторический город, современный человек, проживаемое пространство, художественная интеграция, художественная реальность, средовая связь

architectural-art environment, historic city, modern man, living space, art integration, artistic reality, environmental connection

СТРЕЛЬЦОВА АЛИНА КОНСТАНТИНОВНА (Журнал «Искусство»). Community-based подход в сегодняшнем искусстве Берлина

ALINA STRELTSOVA (“Iskusstvo” Art Magazin). Community-Based Approach in Today’s Berlin Art

Искусство, ориентированное на социальные проблемы, цели и контекст местных сообществ (community-based art), выделяют начиная с 1960-х годов, однако сегодня эта стратегия становится одной из самых актуальных в европейском пространстве. Она реализуется посредством арт-резиденций, местных художественных центров и целых биеннале, как например, в Осло 2019 года. Предпосылки для развития такого типа искусства можно найти в самой культуре местных сообществ, развивавшейся столетиями в Великобритании, Германии, Северной Европе.

Однако такая культура может быть и сравнительно новой, как например, в Берлине после 1989 года, где community-based проекты возникали, не будучи инициативой государства или крупных арт-институций. Среди причин — «островное сознание» жителей западного Берлина, долгое время бывшего в положении анклава на территории ГДР, приток новых людей в 1990-e и 2000-е, которые начали строить собственные международные англоговорящие или, наоборот, национальные сообщества, отсутствие долгое время как поддержки, так и госрегулирования культурных механизмов. Все это определило расцвет независимых арт- и музыкальных проектов Берлина.

В последние годы ситуация изменилась. Рост экономики, масштабное строительство офисных зданий для международных корпораций, рост ренты заставил художников уехать из центра. Однако, в это же время формируется понимание, что творческая среда Берлина — один из главных факторов, привлекающих в немецкую столицу туристов. В начале 2020 года был принят ряд постановлений, направленных на поддержку арт-сообщества и развитие community-based подхода в архитектуре, но еще более важно, что кризис оказался поводом для художников отрефлексировать собственное положение и отношения с городом, понимаемым и как архитектурная среда, и как сообщество жителей.

Среди таких проектов «Невидимый Берлин», инициированный Schinkel Pavillon, — телесные и музыкальные перформансы в зданиях, которые предназначены под снос. Цель программы состояла не в том, чтобы повлиять на городскую политику, но в том, чтобы дать жителям районов физически прочувствовать происходящие у них перемены посредством эфемерного и недолговечного искусства. В том же ряду — проекты на стыке перформанса и постдраматического театра. В частности, спектакли «Бальхауса» и Театра Максима Горького под руководством Шермин Лагхофф, обсуждающие на сцене проблемы мигрантов, живущих в Кройцберге, были с ними же в зрительном зале. Здесь же «100% Берлин» Rimini Protokoll, попытка создать портрет города, который не имеет ничего общего с архитектурой, а представляет собой общность людей на сцене, чей национальный, возрастной и гендерный состав отражает статистические данные. По лекалам Rimini и Gorky Theatre построена деятельность экскурсионного бюро “Почему мы здесь”, где сирийские мигранты проводят экскурсии по Берлину для жителей немецкой столицы, но рассказывают при этом историю собственной страны, давая возможность слушателям выстроить параллели. На тех же принципах построены радикальные перформансы группы «Центр политической красоты». Все эти проекты рассчитаны на то, чтобы развить взаимное чувство эмпатии у новых и старых берлинцев.

community-base art, перформанс, Берлин, современное искусство Германии

community-based art, performance, Berlin, contemporary art in Germany

ПОДЛЕДНОВ ДЕНИС ДМИТРИЕВИЧ (Санкт-Петербургский государственный университет, Российская Федерация). Метамодернистская «структура чувства» в современном российском искусстве

DENIS PODLEDNOV (Saint Petersburg State University, Russian Federation). The “Structure of Feeling” of Metamodernism in the Context of Contemporary Russian Art

Метамодернизм – социально-культурная концепция, которая была предложена голландскими исследователями Тимотеусом Вермюленом и Робином ван ден Аккером и отражает основные положения в следующих теоретических трудах: в эссе «Заметки о метамодернизме» (2010), в статье Заметки о «Заметках о метамодернизме» (2015), и в книге «Метамодернизм. Историчность, Аффект и Глубина после постмодернизма» (2019). Основными маркерами метамодернизма являются: «новая искренность», осцилляция (метаксис), реконструкция, неоромантическая чувственность и т.д.

Актуальность данной теории обусловлена поиском феномена, который наступил после завершения постмодернизма. Сложность дефиниции состоит в том, что существует массив современного искусства, который попадает вне поле зрения постмодернизма.

Рефлексия на данную теорию нашла свое отражение в работах исследователей: Л. Батчер (архитектура), А.В. Венкова и А.В. Гинкель (изобразительное искусство) и др. Вместе с этим, исходя из анализа отечественной литературы, стоить отметить, что данная тема слабо отрефлексирована отечественными исследователями.

Теоретический заход на тему осуществлен исходя из следующих теорий. Во-первых, это теория «постпостмодернизма» (Л. Хатчеон, 2002 г.). Во-вторых, большой объем информации содержится в теории метамодернизма: начиная с того, что метамодернизм сочетает в себе осцилляцию между кодами модернизма и постмодернизма (теория модернизма и постмодернизма), а также конструирование собственных маркеров метамодерна (Т. Вермюлен и Р. ван ден Аккер, 2010 г.). В-третьих, это теории «атмосфер» (Г. Беме, 1993, 2002 гг.) и глубинноподобия (Т. Вермюлен, 2015 г.).

В данной работе автор пытается раскрыть следующий исследовательский вопрос: «Как маркеры метамодернизма функционируют в современном искусстве?». В качестве ключевой методологии выбраны семиотический и формально-стилистический анализ произведений изобразительного искусства. Источниками исследования являются произведения искусства российских художников: Владимира Логутова (г. Самара), Владимира Потапова (г. Москва) и Александра Грекова (г. Пермь).

Таким образом, данный теоретический подход можно имплицировать на другие виды искусства, которые все больше рефлексируют в рамках метамодернистской парадигмы. Вместе с этим, метамодернизм как новая культурная дефиниция требует новых методик для ее анализа. Анализ творчества Владимира Логутова, Владимира Потапова и Александра Грекова отражает переживание реальности через обращение к гуманистическим и экзистенциональным вопросам «новой искренности», глубонноподобию и неоромантической чувственности           

метамодернизм, живопись, структура чувства, Робин ван ден Аккер, Тимотеус Вермюлен, Виталий Пушницкий, Ольга Молчанова-Пермякова

metamodernism, painting, structure of feelings, Robin van den Akker, Timotheus Vermeulen, Vitaly Pushnitsky, Olga Molchanova-Permyakova

КЛИМОВИЦКАЯ ПОЛИНА СЕРГЕЕВНА (Санкт-Петербургский государственный университет, Российская Федерация). Артистическая слава: как создается признание художников при жизни и после смерти

POLINA KLIMOVITSKAIA (Saint Petersburg State University, Russian Federation). Creative Fame: How Artistic Recognition Is Created during Lifetime and after Death

Артистическая слава конструируется через социальные институты. На данный момент в академической литературе по социологии культурного производства существует дискуссия об уменьшении роли старых образовательных институтов и появлении новых механизмов, определяющих признание. Уменьшается значение академического образования, растет роль коллективных выставок и художественных объединений (White and White, 1993; Guiffre, 1999). Индивидуальность и карьерная стратегия художника, например, создание художественной инновации, нарушение норм, принятых в обществе, становятся все более значимыми (Bourdieu, 1993). Несмотря на наличие тезисов, на данный момент не было проведено количественного анализа, который позволил бы проверить данные утверждения. Такой анализ можно произвести на основе биографических данных о русских художниках конца XIX — начала XX века, так как в России в это время наблюдались институциональные изменения. Эпоха конца XIX — начала XX века в России характеризуется синтезом преемственности уже сформировавшихся художественных традиций и новаторства, которое породило новые школы и направления в искусстве (Штанько, 2011). Также появляются новые институты — художественные объединения и новые профильные образовательные институты.

Целью данного исследования представляется определение факторов признания художественного таланта при жизни художника и после его смерти.

В качестве данных, используемых для работы, была использована библиографическая информация для 667 художников — пол, образование, членство в художественных объединениях, наличие родственников в художественной среде, девиантное поведение, новаторство и другие черты биографии.

Анализ полученных данных произведён методами математической статистики, а именно линейной, пуассоновской и логистической регрессии. Данные методы позволяют измерить влияние независимых переменных, в данном случае – биографических характеристик художника на зависимые переменные, измеряющие признание художника при жизни и после смерти.

В результате анализа было выявлено, что художники, признанные при жизни, с большей вероятностью становятся признанными посмертно, новаторство положительно влияет на признание как при жизни, так и после смерти художника, в то время как девиантное поведение увеличивает его шансы быть признанным посмертно и уменьшает для признания при жизни.

Подводя итог, стоит отметить, что несмотря на ограничение в размере выборки, данная работа вносит вклад в развитие исследований по социологии культурного производства о формировании механизмов признания и включения художников в креатиавную элиту. Данная тема в российском контексте по-прежнему остается мало изученной и представляет интерес для последующих работ в этой области.

социология искусства, культурное производство, креативные карьеры, Серебряный век

sociology of art, cultural production, creative careers, The Silver Age