ГРАЧЕВА СВЕТЛАНА МИХАЙЛОВНА (Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина, Российская Федерация). Традиционное и актуальное в современном академическом искусствоведческом образовании

SVETLANA GRACHEVA (St. Petersburg Academy of Arts, Russian Federation). Traditional and Actual Aspects in Modern Academic Art History Education

Академические методы обучения истории искусства в ХХ веке строились преимущественно на знаточестве. Находясь в стенах художественного вуза важно глубоко понимать природу творчества, поэтому кроме изучения теоретических и исторических дисциплин искусствоведы много занимаются рисунком и живописью, имеют уникальную возможность изучать технику и технологию художественных материалов в академических лабораториях и производственных мастерских. В традиционном представлении искусствовед-выпускник Академии художеств — это музейный работник, художественный критик, педагог, эксперт, специалист в области атрибуции. Сейчас границы профессии расширились, благодаря появлению институтов кураторства, арт-дилерства, галерейного бизнеса, расширению виртуального пространства и стратегий contemporary art. Современное искусствознание испытывает влияние постмодернистской эстетики и культурологии, философии, новейших технологий, запросов информационно-коммуникационного постоянно меняющегося рыночного общества и пр. Одной из значимых стала также проблема понимания подлинности художественного произведения в условиях тотального репродуцирования и совершенствования виртуальных технологий. Современный мир преподносит неожиданности, чему мы являемся свидетелями. Так, в этом году мы столкнулись с необходимостью перехода на полное дистанционное обучение в связи с пандемией, что имело как свои негативные стороны, так и способствовало развитию новых образовательных идей, породило интересные и неожиданные проекты, охватывающие обширную аудиторию. С другой стороны в современном мире очевиден процесс угрожающей дискоммуникации, связанный с разрывом между представителями массовой и элитарной культур, между разными слоями общества. Разница не столько между культурами (глобализация делает свое дело), сколько имеет место непонимание между отдельными стратами общества, между возрастными и социальными слоями. В том числе, усилился разрыв прежних связей в цепочке автор-критик-художник. Ситуация в современном мире и искусстве связана с распадом традиционализма и возникновением нетрадиционных структур, это время переоценки прежних ценностей, поиска новых способов трансляции культурного опыта, что ставит перед исследователями и педагогами проблему осмысления и адекватного объяснения происходящих в художественном пространстве новейших процессов и явлений, которые должны найти отражение в искусствоведческом образовании.

В отечественном изобразительном искусстве XXI века разрабатывается теоретическая концепция критики как особого вида художественно-аналитической и творческой деятельности, выполняющей особые функции. В разные периоды существования художественной критики на первый план выходили те или иные её особенности, что зависело от парадигмы эпохи. Зачастую в современной художественной деятельности функции критика и куратора совмещаются, сливаются воедино. Именно критик и куратор становятся интерпретаторами произведения искусства и от их концепции зависит порой восприятие того или иного художественного явления или события, а в современном мире критики и кураторы очень часто выступают и как создатели художественной арт-акции, и как аналитики, оценивающие явления. Таким образом, расширяются границы искусствоведческой профессии. Она из области научной рефлексии и публицистики превращается в самостоятельное творчество. И критика, и кураторство - это творческие профессии, выполняющую не только задачи экспертизы и оценки, они являются областью художественного творчества, у них есть своя созидательная роль. Более того, современная критика, проникая на поле искусства, становится частью самого искусства. Поэтому в современном культурном пространстве критик и куратор могут быть не менее востребованы, а иногда и ярче реализованы, чем даже художники, обученные в рамках традиционной академической системы

академическое искусствоведческое образование, традиционные и актуальные черты образования, петербургская искусствоведческая школа, знаточество, художественная критика, современное искусство, методы изучения искусства, кураторство, куратор

academic art history education, traditional and actual aspects of education, Saint Petersburg art history school, connoisseur art science, art criticism, contemporary art, methods for the study of art, curator, curatorial activities

ВЕНКОВА АЛИНА ВЛАДИМИРОВНА (Российский государственный педагогический университет имени А.И. Герцена, Российская Федерация). Арт-медиация: педагогический импульс

ALINA VENKOVA (Herzen State Pedagogical University of Russia, Russian Federation). Art Mediation: Pedagogical Impulse

Арт-медиация представляет собой одну из наиболее активно развивающихся форм взаимодействия всех участников процесса создания и восприятия произведений искусства. Это касается как традиционных форм выставочной деятельности в музеях и на специализированных площадках, так и недавно появившихся практик партиципации и интервенцианизма. От традиционной экскурсионной и образовательной деятельности медиацию отличает особый ракурс взаимодействия публики с произведениями искусства, нацеленный на индивидуальное эвристическое постижение смысла, обретение нового опыта не только рациональным, но и телесно-аффективным путем.

В данном докладе показана генеалогия педагогических практик, положенных в основу современных форм арт-медиации. Основными течениями, оказавшими воздействие на становление арт-медиации как педагогической и партиципаторной деятельности, являются «педагогика участия» и «критическая педагогика».

В педагогике участия следует начать с «инструментальной педагогики» Д. Дьюи, сформулировавшего и опробовавшего такие важные слагаемые арт-медиации как партиципаторный характер обучения, основанный на формировании опыта в практиках включения, средовой подход и опору на опыт как основу обучения и эстетической деятельности. Далее эти идеи находят воплощение в реляционной эстетике Н. Буррио с его идеями реляционной формы, соприсутствия и доступности, транзитивности культурного объекта и микропрактик сотрудничества; концепции партиципации К. Бишоп, основанной на принципах социального поворота, комьюнити-арта, делегированного перформанса, педагогических проектах и практике общих дел. Данный комплекс идей реализован Н. Саймон в проекте партиципаторного музея.

Социально ангажированная арт-медиация в большей степени опирается на идеи критической педагогики, соединяющей педагогический импульс с тезисами критической теории и социальной критики. Эта ветвь представлена такими авторами как А. Жиру (директивное знание, язык критики), П. Макларен (микроцели, эмансипирующее и релятивизирующее знание, критическая грамотность, язык возможного), М. Барбер (обучающая игра), П. Фрейре (диалогизм, консайентизация, генеративные темы, теория диалогической деятельности с ее характерными чертами — сотрудничеством, единством, организацией и культурным синтезом). Сформулированная П. Фрейре ситуативная педагогика находит воплощение в развитии партиципаторного искусства и арт-медиации в работах художников, начиная с 1970-х годов ХХ века.

Примерами медиаций, осуществленными самими художниками, служат такие проекты как: Й. Бойс (Documenta 5: Бюро прямой демократии, 1972; Свободный международный университет творчества и междисциплинарных исследований (1972–1988); Documenta 6: 100 дней свободного международного университета, 1977), И. Рогофф, А. Ноллерт (A.C.A.D.E.M.Y. Учась у музея. 16 сентября — 26 ноября 2006, Эйндховен, Музей ван Аббе), А. Жмиевский («По следам Баухауса», Ливерпуль, Временная художественная школа, 2010; 7-я Биеннале современного искусства в Берлине, 27 апреля — 1 июля 2012), группа microsillons (Проект «Утопия и повседневность — между искусством и образованием», Центр современного искусства, Женева, ноябрь 2009 — март 2010), Р. Тиравания («Помечтаем под одним небом?», 2015), Ш. ЛаБаф, Н. Сяде Рёнккё и Л. Тернер (#ELEVATE, Клуб дебатов Oxford Union, 19–20 февраля 2016, Оксфорд), Т. Сегал (Сконструированные ситуации, «V-A-C Live: Тино Сегал», Москва, 2016). В отечественной практике подобный опыт партиципаторной медиации находит достаточно широкое воплощение, примерами могут служить проекты «Школы вовлеченного искусства» группы «Что делать» (2015–2020, Санкт-Петербург), а также опыт коллективного кураторство и медиации Л. Лернер, Т. Шишовой, Л. Воронковой в рамках выставки «Если твой утюг сломался» (19 апреля — 14 мая 2019, Санкт-Петербург, Kunsthalle Nummer Seiben).

Арт-медиация, партиципация, реляционная эстетика, педагогика участия, инструментальная педагогика, критическая педагогика, ситуативная педагогика

Art mediation, participation, relational aesthetics, participation pedagogy, instrumental pedagogy, critical pedagogy, situational pedagogy

БОЙКО АЛЕКСЕЙ ГРИГОРЬЕВИЧ (Государственный Русский Музей, Российская Федерация). Арт-медиация как музейный процесс. Определения и испытания практикой

ALEKSEI BOIKO (State Russian Museum, Russian Federation). Art Mediation as a Museum Process. Definitions and Trials by Practice

Арт-медиация — популярный вид взаимодействия в пространстве искусства, осмыслению которого в целом посвящены исследования, статьи организаторов образовательных программ крупнейших биеннале современного искусства и влиятельных деятелей галерейного образования. В них сформулированы прикладные определения арт-медиации, показан ее генезис в философском и социокультурном аспектах, намечены методики и приемы реализации. Литература, рассматривающая арт-медиацию в собственно музейном контексте, демонстрирует потребность переосмысления этого явления, как его дефиниций, так и развертывания в музейной среде. В данном докладе на основе теории музейного дела и культурного наследия, а также анализа наблюдавшегося, опубликованного и собственного опыта организации, подготовки и проведения медиаций обосновано новое определение арт-медиации и определены базовые аспекты ее применения в художественном музее.

Автор фокусирует внимание на испытаниях, с которыми арт-медиация и медиаторы встречаются в музее с коллекцией классического искусства и находит им объяснение в соотношении эссенциализма и изменчивости, социальной открытости музейной институции. Укореняясь на практике, арт-медиация проявляет готовность художественного музея услышать общественный запрос и одновременно содействует сотрудничеству, сплочению креативных музейных сотрудников, формированию своего рода новой музейной команды с развитым индивидуальным и коллегиальным критическим мышлением, владеющей и традиционными, и новыми компетенциями, необходимыми для эффективной работы с музейными посетителями. Снятие противоречий между арт-медиацией и институциональным традиционализмом музея видится на пути изучения историчности арт-медиации как формата коммуникации в сфере искусства и использования ее гибкости, даже протеизма для успешной интеграции в музейную деятельность. Вместе с тем, не следует ожидать тихой приязни и душевной гармонии в общей судьбе арт-медиации и художественного музея. Арт-медиация всегда связана с привнесением в музейную реальность неопределенности, незавершенности, турбулентности, то есть тех свойств жизни, преодолению которых музей издавна служит с большой мерой эффективности.

арт-медиация, художественный музей, эссенциализм

art mediation, art museum, essentialism

ПАЦЕЙ АНАСТАСИЯ ВЛАДИМИРОВНА (Музей нонконформистского искусства, Российская Федерация). Арт-резиденции сегодня и завтра. Профессиональная мобильность в условиях новой нормы

ANASTASIA PATSEY (Museum of Nonconformist Art, Russian Federation). Art Residencies Today and Tomorrow. Professional Mobility and ‘The New Normal’

За последние несколько десятилетий мир достиг небывалого уровня мобильности. Изменения, наступившие с эпохой глобализации, затронули все сферы человеческой деятельности, включая культуру и искусство. Особую значимость приобрели программы профессиональной мобильности для художественных специалистов, в частности, арт-резиденции. Начиная с их расцвета в 90-е гг., они стали неотъемлемой частью мировой инфраструктуры современного искусства.

Данный доклад посвящен арт-резиденциям в исторической, культурологической и искусствоведческой перспективах и ставит своей целью анализ ситуации в области профессиональной мобильности в свете глобального кризиса здравоохранения в 2020 г.

В контексте современной искусствоведческой мысли арт-резиденции — достаточно новое и пока что малоизученное явление. Вместе с тем, история этого феномена уходит корнями еще в XVII в. Именно тогда во Франции появляется «Римская премия» — одна из первых стипендиальных программ для художников и композиторов, дававшая им возможность несколько лет жить и работать в Риме. На рубеже XIX–XX вв. многие из принципов современных арт-резиденций можно встретить в европейских художественных колониях — Ворпсведе и Дахау в Германии, Ньюлин в Англии, Эгмонд-ан-Зее в Нидерландах и др. В России признаки «проторезиденций» можно обнаружить таких в культурных центрах, как Абрамцево, Талашкино и Поленово.

В 1960-х гг. первые арт-резиденции современного образца появляются в Европе и США. В СССР их функции частично выполняют дома творчества и писательские дачи, а в начале 2000-х в России появляются первые международные арт-резиденции.

Арт-резиденциям как художественному феномену свойственны динамичное развитие, гибкость форматов и экспериментаторство. Это может объяснить отсутствие единого, универсального определения того, что такое арт-резиденция. Можно сказать, что арт-резиденция — это комплекс материальных и нематериальных ресурсов, обеспечивающих профессиональную мобильность специалистов в сфере культуры и искусств. Однако даже такое общее определение требует множества оговорок. Необходимо учитывать, многообразие форматов работы, набирающий популярность междисциплинарный подход и новое понимание профессиональной мобильности, ставшее особенно актуальным в 2020 г.

Пандемия COVID-19 стала настоящим вызовом для арт-резиденций по всему миру. Одни программы были вынуждены приостановить деятельность или закрыться, другие использовали этот кризис как возможность полностью пересмотреть свои стратегии и методы работы. С марта 2020 г. наблюдается стремительный рост инициатив в Интернете, позиционирующих себя как виртуальные резиденции. И в среде специалистов возобновились дискуссии о том, что можно называть арт-резиденцией и какие формы сегодня может принимать профессиональная мобильность в сфере культуры и искусств.

В рамках данного доклада будут представлены краткая история и настоящий вектор деятельности арт-резиденций, проанализированы их место и роль в международной системе современного искусства, а также предпринята попытка спрогнозировать развитие этой сферы в будущие десятилетия.

арт-резиденция, профессиональная мобильность, современное искусство, пандемия, интернет, путешествия, художественные колонии, онлайн-проекты, кураторские практики, ковид-19, художник-в-резиденции

art residency, professional mobility, contemporary art, pandemic, Internet, travel, artists’ colonies, online projects, curatorial practice, covid-19, artist-in-residence

КАРЛОВА АНАСТАСИЯ ИВАНОВНА (Государственный Русский Музей, Российская Федерация). Поколение 30-летних в современном российском искусстве: особенности кураторской практики и арт-критики

ANASTASIA KARLOVA (State Russian Museum, Russian Federation). Generation of 30-year-olds in Contemporary Russian Art: Characteristics of Curatorial Practice and Art Criticism

Подготовка выставки «Поколение 30-летних в современном российском искусстве» в Русском музее (запланирована на осень 2020 года) потребовала осмысления кураторских проектов и арт-критики, посвящённых творчеству молодых художников. 2010-е годы стали временем глубоких изменений в культуре, связанных со значительным ростом влияния Интернета на жизнь общества, что отразилось, как на самом художественном процессе, так и на его репрезентации.

Выставки 2010-х годов демонстрируют две противоположные тенденции в искусстве молодых авторов, которых принято относить к цифровому поколению, или поколению миллениалов. С одной стороны, их творчество неразрывно связано с новейшими технологиями. Как никогда раньше в их работах велика роль отражённой реальности, мира телевидения, компьютеров и смартфонов (что было показано на многочисленных выставках, в том числе: «Краденое Солнце» в NAMEGALLERY, Санкт-Петербург, 2019; «Please wait», Futuro Galley, Нижний Новгород, 2019; «Akkta», галерея «Анна Нова», Санкт-Петербург, 2018 и др.). Эта тенденция воплотилась, как в отборе работ для экспонирования, так и в методах репрезентации. На выставке в ДК Громов «Offline/Online» (Санкт-Петербург, 2019) не только экспонировались произведения медиаискусства, но и часть пространства галереи была построена с использованием технологий виртуальной и дополненной реальности. С другой стороны, 2010-е годы стали временем увлечения рукотворными практиками, в которых особой ценностью наделялись такие качества как подчёркнутая «самодельность», спонтанность, автобиографизм, наивность. Многие художники стремились уйти от унифицирующих и часто нивелирующих индивидуальность цифровых технологий в область личного, сокровенного; обращались к детским воспоминаниям. Эта линия демонстрировалась на выставках «Я тебя люблю, а тебя нет» (галерея Navicula Artis, Санкт-Петербург, 2013), «Леонид Цхэ. Постановки» (ММСИ, Москва, 2018), «Школа активного рисования и перформативного позирования Север-7» (галерея Овчаренко, Москва, 2018), «Ася Маракулина. Железные нотки» (галерея Марины Гисич, Санкт-Петербург, 2019), «Неоинфантилизм» (ДК Громов, галерее «Люда» и NAMEGALLERY, Санкт-Петербург, 2020) и др.

В 2010-е годы уменьшается роль периодических печатных изданий (в том числе в 2013 году прекращает существование журнал «Артхроника») и постепенно увеличивается значение критических публикаций в Интернете. Главной особенностью арт-критики становится ее все большая «демократизация»: многие критические статьи публикуются на Интернет-платформах, существующих по принципу самоорганизации без участия главного редактора (ярким примером такой платформы стал Интернет-журнал Aroundart, созданный в 2009 году и представляющий молодых художников поколения 30-летних). А с середины 2010-х годов стремительно растёт влияние соцсетей в художественной сфере, которые становятся новой площадкой для арт-критики: искусствоведы всё чаще используют эти ресурсы для актуального критического высказывания (А. Боровский, И. Доронченков, С. Хачатуров, С. Попов, П. Герасименко и др.).

В тексте доклада рассматриваются ключевые выставки 2010-х годов, представляющие творчество молодых авторов поколения 30-летних, а также проекты в области стрит-арта и паблик-арта, которые во многом определили облик российской арт-сцены предыдущего десятилетия. Особое внимание уделяется анализу критических статей ведущих искусствоведов и молодых кураторов, освещающих современный художественный процесс.

российское искусство, молодые художники, миллениалы, поколение 30-летних, российское искусство поколения 2010-х годов, 2010, поколение 2010-х, современное искусство, арт-критика 2010-х годов, кураторские проекты 2010-х годов, выставки 2010-х годов, искусство XXI века

Russian art, young artists, millennials, generation of 30-year-olds in art, Russian art of the generation of 30-year-olds, art criticism of 2010s, curatorial projects of 2010s, art exhibitions 2010s, generation 2010s, Russian art criticism, contemporary art, art of 21st century

КОЛОТОВКИНА МАРИЯ ОЛЕГОВНА (Проект поддержки и развития современного искусства INTERVAL, Российская Федерация). INTERVAL. Новые методы коммуникаций в художественном сообществе Петербурга

MARIA KOLOTOVKINA (INTERVAL, Russian Federation). New Communication Methods in the Art Community of St. Petersburg

Новые реалии продемонстрировали необходимость создания и установки параллельных онлайн процессов, способствующих развитию искусства. Поиск художников, кураторский отбор и даже репрезентация искусства давно происходят в сети. Дихотомия изменяет и ускоряет процесс становления и путь художника, а также способствует развитию искусства.

Однако, для полноценного развития индустрии необходимым является симбиоз новых методов коммуникации между участниками художественного процесса и возможность внедрить их в уже существующую парадигму институций.

Одна из таких инициатив, консолидирующая участников петербургского арт-процесса – проект поддержки и развития современного искусства INTERVAL. Это онлайн платформа и цикл мероприятий, позволяющий выявить новые имена в искусстве. Благодаря взаимодействию экспертов и кураторов проекта происходит тщательный отбор заявок художников, составление открытой базы, существующей в сети. Параллельно организовываются выставки, которые проходят на закрытых прежде городских площадках.

Кураторы проекта отмечают преимущество в упрощении установления профессиональных взаимосвязей с художниками. Ранее, кураторам приходилось работать с определенным наработанным пулом художников, в то время как после возникновения платформы, они выявили для себя новые имена в современном петербургском искусстве.

Еще один установленный благоприятный аспект в создании глобальных околоинституциональных платформ — изменение связанные со становлением и сокращением пути художников. Благодаря наличию экспертизы на платформе, организация выставки в крупных музеях и галереях стала возможной для большего числа кураторов и художников.

Также, очевидное преимущество, значительно упрощающее поиск художников, как для международных, так и для российских деятелей искусства – создание базы художников на сайте проекта interval-art.com. Любой посетитель сайта сможет ознакомиться с портфолио петербургских художников: их работами и биографией.

Таким образом, появление таких инициатив, как INTERVAL, консолидирующих экспертное сообщество, кураторов и художников, позволяет выявить новые имена в искусстве, повысить уровень открытости институций для художников, а также рассказать об искусстве Петербурга за его пределами.

интервал, кураторы, современное искусство

interval, curators, contemporary art

КРАВЧЕНКО ПОЛИНА ВЛАДИМИРОВНА (Центральный выставочный зал «Манеж», Санкт-Петербург, Российская Федерация). Новый медиум создания художественных выставок — диджитал кураторство

POLINA KRAVCHENKO (Manege Central Exhibition Hall, Russian Federation). New Medium for Creating Art Exhibitions — Digital Curating

Дистанция между цифровой и реальной жизнью продолжает исчезать, и нигде это не проявляется так очевидно, как в искусстве. В современной цифровой культуре слово «курирование» используется для описания почти всех процессов отбора или организации процессов в интернете. Это противоречит традиционным представлениям о кураторах в изобразительном искусстве или музейных учреждениях как о тех, кто организует выставки и заботится об экспонатах. В последние годы появился ряд цифровых кураторов, которые начали применять новые медиа-методы, соединяя их с традиционными представлениям о кураторстве: Пита Арреола, Стейси Дэвидсон, Дорин Риос, Леа Беферман и Мэттью Харви, группа Keiken, Дрю Никонович, Алиса Сычёва и др. Объединяя независимые цифровые кураторские проекты на специализированных веб-площадках (Clusterduck, offspace.xyz, Off Site Project, Parallelograms, LocalHost Gallery, Kz gallery и др.) или в социальных сетях, эти кураторы создают новые виды культурных продуктов, которые расшатывают устоявшиеся иерархии мира искусства.

Цифровые кураторы манипулируют уникальной материальностью цифровых технологий, чтобы изменить представления о том, какими могут быть арт-объекты, и создать новые виды феноменологического художественного опыта. Институции не являются полностью устаревшими в нашей нынешней парадигме цифровой визуальной культуры. Цифровые кураторы доказали, что можно использовать сетевые возможности, чтобы получить доступ к ранее недоступным художественным и музейным мирам.

Цифровой ландшафт меняет способы художественного выражения, повествования, коммуникации, и человеческое взаимодействие. Растущее использование цифровых инструментов и технологий в искусстве резко трансформирует традиционную кураторскую практику и расширяет архивную, так что мы переходим от модели управления доступом к открытой модели. По мере того, как мы погружаемся в цифровой мир, где любой, у кого есть смартфон, может быть цифровым куратором и управлять различными интернет-сервисами, в частности, например, Behance (для онлайн-портфолио), художники могут свободно взаимодействовать со своей аудиторией, используя в своих интересах краудсорсинг, «лайки», чат, блоги, игры и электронную почту.

Куратор – специалист, отбирающий, организовывающий и представляющий искусство, он обладает авторским почерком, биографией, видением, «сенсорикой». Куратор-художник, независимый куратор, куратор-ученый, куратор-администратор — каждый из из этих типов в XXI веке способен воплотиться в новом медиа. Цифровая практика контролируется доступностью цифрового материала. Одной из специфических возможностей является способность куратора к простой и почти безграничной передаче материала.

Цифровое курирование имеет антропологическое значение не только потому, что природа предметов искусства и артефактов меняется, но также благодаря новым способам отображения, впервые примененным цифровыми кураторами, изменяющими визуальную культуру. В данном докладе я надеюсь продемонстрировать, как цифровая материальность реструктурируют отношения между куратором, художником и традиционными институтами, какими компетенциями должен обладать диджитал-куратор на примере выставочных проектов, которые существуют только онлайн.

куратор, цифровой куратор, цифровое искусство

curator, digital curator, digital art

БИРЮКОВА МАРИНА ВАЛЕРЬЕВНА (Санкт-Петербургский государственный университет, Российская Федерация). Идея музея в институциональной теории и кураторских проектах

MARINA BIRYUKOVA (Saint Petersburg State University, Russian Federation). The Idea of Museum in Institutional Theory and Curatorial Projects

Оценка статуса современного искусства теоретически обоснована в контексте институционального подхода, теория которого разработана в исследованиях Джорджа Дики и Артура К. Данто. Музей — это столп институциональной теории, поскольку именно он по преимуществу обеспечивает искусству бесспорный статус. Институциональный подход позволяет современному искусству быть показанным в музее. Артефакты современного искусства в этом случае подчиняются определенным требованиям: соответствию теоретическим взглядам куратора, условиям хранения и, в значительной степени, финансовой ценности произведения искусства на аукционах и в художественных галереях. Вся процедура ставит искусство в определенную зависимость от институций, и особенно от музеев. Но неограниченная свобода выражения, к которой стремятся многие представители новейших течений в искусстве, воспринимается неоднозначно в чопорном музейном пространстве. Слишком эфемерной стала граница между искусством и жизнью, чтобы позволить искусству свободное выражение в музеях. Такая свобода могла быть гарантирована только в идеальном, утопическом музее, принимающем различные формы в серии воображаемых музеев, возникших в эпоху постмодерна. Концепции гипотетических музеев: «Музея обсессий» Х. Зеемана, «Анти-музея И. Кладдерса» и «Воображаемого музея» А. Мальро сходны в представлении о «живом» музее, соответствующим требованию непосредственного эстетического суждения, основанного на императиве индивидуального вкуса. Феномен музейного бума современности, как и феномен возникновения воображаемых музеев во второй половине ХХ века ассоциируется с тоской по «настоящему» искусству, что, в конечном счете, ведет к музею или к идее музея. Если в классическом музее зритель ожидает увидеть «подлинные», то есть «не поддельные» работы старых мастеров, то в музее современного искусства он ожидает увидеть «настоящее» искусство, то есть произведения «со статусом искусства». Музеи придают искусству качество «подлинности», отсюда и интерес к музеям и музейным проектам в наши дни, несмотря на обилие растиражированных изображений музейных артефактов в медиа. Вместо этих «симулякров» музеи предлагают «настоящие» произведения искусства, и сама идея музея привлекает к себе немалое внимание, отраженное, в том числе, и в многочисленных кураторских проектах, посвященных образу и идее музея. Среди таких проектов, например, выставка «Голоса воображаемого музея Андре Мальро» в ГМИИ им. А.С. Пушкина в Москве и выставка «Хранитель» в Новом музее в Нью-Йорке.

идея музея, современное искусство, институциональная теория, кураторские проекты, теория искусства, выставка, эстетика

idea of museum, contemporary art, institutional theory, curatorial projects, art theory, exhibition, aesthetics